Objectifs
- Comprendre le rôle du metteur en scène et sa collaboration avec les acteurs
- Apprendre à créer des tableaux vivants et à organiser l’espace scénique
- Explorer les choix de mise en scène (décors, lumières, mouvements)
- Développer une cohérence visuelle avec l’interprétation des acteurs
I. Le rôle du metteur en scène
1. Vision globale du spectacle
Le metteur en scène doit être le visionnaire qui structure l’ensemble de la production : le jeu des acteurs, l’espace, les décors, les lumières.
Exercice : Analyser un extrait d’une pièce connue, et discuter des choix de mise en scène (éclairage, direction d’acteurs, etc.).
2. La direction d’acteurs
Le metteur en scène doit être capable de guider les acteurs pour leur permettre de donner le meilleur d’eux-mêmes tout en respectant la vision artistique.
Exercice : Le metteur en scène donne des indications à un acteur pour modifier une scène, en jouant sur le ton, le rythme, ou le geste.
3. Collaboration avec l’équipe technique
Le metteur en scène collabore avec les scénographes, les régisseurs, et les créateurs de costumes pour harmoniser le spectacle.
Exercice : Simuler une réunion de mise en scène où tous les intervenants (acteur, scénographe, éclairagiste, etc.) partagent leurs idées.
II. L’espace scénique et la disposition des acteurs
1. L’occupation de l’espace
L’espace scénique est un outil de narration. Chaque acteur doit savoir où se positionner pour que l’action soit lisible et fluide.
Exercice : Créer une scène en se déplaçant dans l’espace tout en respectant les positions stratégiques pour l’interaction avec les autres personnages.
2. Le tableau vivant
Le metteur en scène crée des « tableaux » pour rendre une scène visuellement cohérente et dynamique.
Exercice : Former un tableau vivant sur scène, où les acteurs doivent se placer de manière à former une image ou une composition visuelle cohérente.
III. Les choix de mise en scène
1. Les décors et accessoires
Les décors et accessoires doivent soutenir l’histoire sans la surcharger. Le décor doit être simple mais évocateur.
Exercice : Imaginer une scène avec des accessoires symboliques (un objet qui change le destin du personnage) et intégrer ces objets dans le jeu d’acteur.
2. La lumière et l’ombre
La lumière crée des ambiances et met en valeur certaines parties de la scène.
Exercice : Jouer une scène sous une lumière tamisée, puis sous une lumière intense. Ressentir comment cela change le ton et l’intention de la scène.
3. Le mouvement sur scène
Les déplacements et la gestuelle des acteurs doivent servir l’action et la dramaturgie.
Exercice : Créer une scène dans laquelle les déplacements des personnages ont un impact sur l’évolution de l’intrigue.
IV. La cohérence visuelle
1. Le style de la mise en scène
La mise en scène doit s’adapter au style du texte, qu’il soit classique, moderne, ou absurde. Chaque choix doit être en harmonie avec l’intention de la pièce.
Exercice : Lire un extrait d’un texte dramatique et réfléchir à la manière dont il pourrait être mis en scène (choix du décor, du costume, du rythme).
2. L’interprétation des personnages et l’esthétique du spectacle
Le travail de mise en scène doit permettre à l’interprétation des acteurs de s’harmoniser avec l’atmosphère de la pièce.
Exercice : Travailler une scène en faisant varier les costumes ou les accessoires, et observer comment cela modifie la manière dont le personnage est interprété.
Exercice final
Objectif : Réalisation d’une petite scène où les étudiants, en petits groupes, dirigent leur propre mise en scène. Ils doivent collaborer sur les choix de mouvements, de lumière, de décor, tout en respectant l’interprétation des acteurs.
Critères : cohérence de la mise en scène, fluidité du jeu d’acteur, utilisation efficace de l’espace, gestion des éléments techniques.